SEGUNDAS VANGUARDIAS ARTISTICAS
Movimientos Artísticos de las Segundas Vanguardias
con sus fechas de aparición
Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan brutal acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que las nuevas tendencias del arte pasen de Europa a América, de Francia a USA, de París a Nueva York que se convierte en la nueva capital del arte, el epicentro de las nuevas vanguardias.
Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente debido a los medios de comunicación, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez fueron acogidas de un modo más natural, menos traumático. La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al mundo del arte, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Ahora las vanguardias no procedían de artistas incomprendidos que quieren llamar la atención del público, sino que se convierten en propuestas nuevas y atractivas. Adquieren un tinte más atrayente, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general.
TENDENCIAS INFORMALISTAS
*Informalismo (1945-1960)
También denominada Tachismo o Abstracción Lírica, esta tendencia pictórica compartió con el Expresionismo Abstracto el peso del surrealismo a pesar de su desarrollo independiente; asimismo surge el automatismo y la improvisación psíquica como revelación del mundo subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de pintura, en ocasiones con aditivos ajenos, como arena, polvo de mármol, yeso… Su pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más representativo del estilo fue Jean Dubuffet.
El Informalismo se caracterizó por la espontaneidad y la falta de estructura formal en las obras.
Expresionismo abstracto americano (1948-1966)
A mediados del siglo XX, un innovador grupo de artistas abandonó los estilos figurativos de la pintura con una estética original y abstracta.
Conocidos como expresionistas abstractos, estos pintores se enfocaron no solo en los elementos modernistas como el color, la composición y la emoción, sino en el proceso creativo en sí.
Jackson Pollock fue el creador de un nuevo modo de pintura: el dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose dentro y alrededor del mismo deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una composición muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable.
Otro artista reconocido en este movimiento fue Willem de Kooning. La pintura de Kooning comparte planteamientos con Jackson Pollock, aunque es mucho más directa. Busca el gesto, la pincelada, la mezcla de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados, combinados con algunas tierras y sombras.
El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston, único representante de este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos. Consiguió un lenguaje propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían una y otra vez para contar un mensaje.
Fue un artista obsesionado con el miedo, el miedo al tiempo que se agota, a las agresiones en general, a la pobreza. Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos miedos que movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante monocroma en general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y algún tono de contraste.
Por último, y no por ello menos importante, nombrar a Mark Rothko, creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color.
Expresionismo Abstracto (Década de 1940)
El Expresionismo Abstracto liberó a los artistas de la representación precisa y abrazó la espontaneidad y la emoción. Pollock y Rothko son nombres icónicos que emergieron en este movimiento.
El enfoque del arte abstracto favorece la originalidad y la libertad absoluta de los artistas en materia de composición plástica.
Se llama arte abstracto o arte concreto a aquellas expresiones artísticas basadas en elementos como la línea, el punto, el color y el material como lenguaje autosuficiente e independiente de la reproducción de objetos reconocibles, es decir, del figurativismo.
El arte abstracto renuncia por completo al figurativismo al prescindir de representar objetos reconocibles.
De esta manera, atesta un golpe contra la tradición occidental que, hasta el siglo XIX, se basaba en la imitación de la naturaleza.
Típicamente, se entiende que el arte moderno incluye al impresionismo, al expresionismo abstracto y las demás corrientes que ocurrieron entre ellas.
Arte Póvera. (Década de 1960)
Vanguardia de procedencia italiana, su máximo representante fue Miguel Ángelo Pistoletto. Le interesa la reutilización de material tecnológicamente poco avanzado, tradicional, no industrial.
El Arte Póvera utilizó materiales humildes y naturales en sus obras.
Tiene como influencia directa el dadaísmo, especialmente el trabajo de Duchamp. De alto componente conceptual, vuelve a cuestionar determinados criterios artísticos de aparente aceptación general. Entre los artistas que cultivan el arte Póvera destacan Antoni Tápies y Giovanni Anselmo.
Arte cinético (1954 - presente)
El Arte Cinético se destacó por su uso de la cinética y la ilusión del movimiento en sus obras. Jesús Rafael Soto y Alexander Calder fueron influyentes en este movimiento.
El concepto del arte cinético se extiende a todas las obras basadas en el movimiento físico o virtual, lo que puede incluir algunas expresiones del arte óptico. Sin embargo, no todo arte óptico es cinético. Para que un objeto artístico sea cinético, el movimiento debe ser el centro de interés.
Características del arte cinético
El arte cinético heredó del futurismo la voluntad mecanicista y, del constructivismo, la celebración tecnológica. La fusión de estos dos aspectos permitió hacer del movimiento algo más que un principio: una realidad perceptible y/o real. De allí se desprenden las características de esta corriente.
Movimiento como principio
A diferencia del futurismo y el constructivismo, en el cinetismo el movimiento no se imagina, sino que se percibe sensorial y materialmente. Comprende el movimiento de tres maneras: el movimiento físico real de la obra, el movimiento óptico y el movimiento físico del espectador.
Minimalismo (1960-1970- presente)
Las obras de arte minimalista no intentan representar otra cosa.
El arte minimalista, surgido en la década de 1950, fue una respuesta radical a la complejidad del expresionismo abstracto.
Artistas como Donald Judd, Agnes Martin y Frank Stella buscaron simplificar la expresión artística a través de formas geométricas básicas y colores primarios.
Sus obras tienden a lo básico, lo sencillo, lo abstracto y al uso de colores puros, y formas simples y geométricas.
Como movimiento artístico se oponía a las tendencias realistas y al pop-art, y perseguía la continuación de la tradición geométrica del arte abstracto.
Cuando hablamos de minimalismo nos referimos a reducir la existencia a sus márgenes mínimos indispensables, es decir, a eliminar todo lo considerado sobrante, superfluo, excesivo o lujoso.
Minimalismo, en su ámbito más general, es la tendencia a reducir a lo esencial (lo útil y lo embellecedor sin decorar de más), a despojar de elementos sobrantes. La frase que resume la filosofía minimalista es la famosa «menos es más», atribuida al arquitecto moderno Mies van der Rohe.
Su lema era “el objeto es el objeto”, y por lo tanto la obra no requería de adornos, florituras ni nada que distrajera al espectador de lo importante, del núcleo verdadero de sí misma. Tampoco debían hacerse pasar por otra cosa, como las estatuas que parecen personas reales, sino que debían ser el objeto en sí mismo.
En ese sentido, el minimalismo buscaba un espectador más atento, más involucrado con la obra, susceptible al estímulo intelectual, o sea, a las ideas. Su propósito era alcanzar la contemplación pura, fría, desapasionada, intelectual.
La autoría también estaba reducida al mínimo en la obra minimalista, ya que en ella no había nada de la emocionalidad y subjetividad del autor.
Los minimalistas llamaban a sus obras “propuestas”, porque a su modo de ver el artista proponía una experiencia al espectador y era este último quien “hacía” la obra, o sea, quien la completaba y la vivía.
Pinturas minimalistas, Gestalt "el todo es más importante que las partes"
NEO REPRESENTATIVAS
El Pop Art, (1955-1980)
El Pop Art celebró la cultura popular y cotidiana. Andy Warhol, con sus latas de sopa Campbell y retratos de Marilyn Monroe, se convirtió en un ícono del movimiento.
Fotorrealismo
Aquí, los artistas estaban más interesados en replicar una fotografía de la mejor manera posible, planificando cuidadosamente su trabajo y evitando la espontaneidad, el sello distintivo del expresionismo abstracto.
El hiperrealismo
Lowbrow (1970 - presente)
Lowbrow, también llamado surrealismo pop, es un movimiento artístico que surgió en la escena alternativa de California en la década de 1970.
Tradicionalmente excluido del mundo de las bellas artes, el arte lowbrow involucra desde pintura hasta juguetes, arte digital y escultura.
Este género también tiene sus raíces en la música punk y la cultura del surf, y sus artistas no buscan la aceptación de las galerías convencionales.
Al mezclar imágenes surrealistas con colores o figuras pop, los artistas alcanzan resultados que a menudo juegan con temas eróticos o satíricos.
El movimiento de Arte Lowbrow buscó desafiar el elitismo y la exclusividad del arte de alta cultura incorporando cultura popular, cómics, graffiti, arte callejero y elementos subculturales en su vocabulario visual. Rechazando la idea de que el arte debería centrarse únicamente en conceptos elevados o técnicas tradicionales, los artistas.
Lowbrow celebran lo kitsch, lo extraño y lo marginado, creando una rica variedad de obras visualmente atractivas y accesibles.
Fluxus (1960-1970)
Fluxus fue pionero en considerar las cosas cotidianas de la vida como arte.
Fluxus promovió la fusión de diferentes formas de arte y la participación del público. George Maciunas fue uno de los líderes de este movimiento.
Fluxus es un movimiento de artistas de distintas disciplinas que nace a principios de los años sesenta del siglo XX, y su nombre alude al “fluir” a “lo que fluye”. Esto tiene que ver con la idea que el arte puede ser cada acción, todo el tiempo (todo es arte, un arte efímero como la vida misma).
A pesar de que surgió bajo la idea de ser una revista de arte, el grupo dividió sus intereses para organizar conciertos, happenings,
Los límites entre las artes se diluyen, se combinan múltiples disciplinas y las acciones artísticas tienen mucho que ver con la performance (el accionar del artista frente al público, y muchas veces haciendo arte con la participación de éste).
“Fluxus purga el mundo de la locura burguesa en la cultura intelectual, profesional y comercializada.
Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial…” – George Maciunas.
TENDENCIAS CONCEPTUALES
Arte conceptual (1960- 1980 - presente)
Se conoce como arte conceptual a una tendencia artística contemporánea en la que el concepto o la idea detrás de la pieza artística resulta mucho más importante que su forma, o incluso que el objeto físico o material que la contiene.
El Arte Conceptual se centró en las ideas detrás de la obra de arte. Joseph Kosuth es un representante clave de este movimiento.
El factor de importancia es, justamente, el concepto detrás de la obra de arte, la idea que le da sentido y no tanto los modos en sí mismos en que el artista hizo la obra.
Eso es lo que distingue radicalmente al arte conceptual de las consideraciones tradicionales sobre el arte, en las que el método del artista era justamente lo que producía la obra.
Aunque el movimiento artístico como tal tuvo fin en la década de 1980, el arte conceptual se considera una categoría vigente e importante en el arte contemporáneo, al punto tal que muchos autores proponen hablar de un arte post-conceptual para todas las manifestaciones artísticas posteriores a ese momento, como una forma de enfatizar el cambio profundo en el paradigma artístico que el arte conceptual trajo consigo.
El arte conceptual requiere un espectador que reconozca la ironía, la parodia y la burla.
Happening (Década de 1950)
Expresión del Arte conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera una obra de Arte. Suele tener un guión, parecido a una obra de teatro, aunque el artista suele improvisar bastante durante las presentaciones. Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957 en una convención artística para describir algunas de las piezas a las que habían asistido
El Happening combinó elementos de performance y arte visual en eventos en vivo. Allan Kaprow es conocido por su trabajo en este campo.
Instalación
Las instalaciones son construcciones tridimensionales que juegan con el espacio para interactuar con los espectadores.
Op Art (Década de 1960)
La Op Art se centró en la ilusión óptica y la percepción visual. Bridget Riley es famosa por sus obras hipnóticas.
Body Art (Década de 1960)
El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca del mismo y lleva a cabo sus manifestaciones mediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales, sexuales o de contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes es el artista Bruce Nauman.
Land Art (Década de 1960)
El Land Art utilizó la naturaleza y el paisaje como lienzo y escenario. Robert Smithson es famoso por sus obras en este estilo.
Corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son transformados por el pensamiento y acción del artista. La finalidad del “Land Art” es producir emociones plásticas en el espectador, que se encuentra enfrentándose a un paisaje determinado. Por ello, quieren alterar el paisaje para producir la máxima cantidad de sensaciones en el público, intentando reflejar la relación hombre-tierra, medio ambiente-mundo…Generalmente las piezas adquieren enormes dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a cabo con una extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja artística que se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude.
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